La Loop Station (o Looper, più correttamente) fa capolino ormai in pedalboard professionali ed amatoriali, sul palchi, negli studi o nelle camerette di tutto il mondo. È la prova che  tecnologia può davvero essere un ottimo supporto alla creazione di musica, per ottenere effetti particolarmente interessanti ed ampliare le proprie opportunità.

La loop station è diventato uno strumento davvero utile per moltissimi musicisti o cantanti. Nel nostro breve viaggio, ovviamente, noi lo applicheremo al mondo chitarristico.

:: COS’E’ ::

La Loop station (o Looper) è un particolare effetto (spessissimo a pedale) che ha la funzione di creare dei loop, ovvero delle ripetizioni di stralci di audio che vengono pre-registrati. In sostanza crea delle riproduzioni di brevi pezzi musicali in modo continuativo.

:: A COSA SERVE ::

Di primo acchito, potrebbe sembrare utile solo per musicisti tipo buskers, ma in realtà, la Loop Station è uno strumento davvero utile sia quando si suona da soli che con il gruppo, per non contare quanto possa essere utile nello studio!

:: COME SI USA ::

Generalmente la si attiva attraverso un pulsante, si registra la parte che si desidera, si rilascia il pulsante e la Loop Station manderà in sequenza continua la nostra registrazione. È  particolarmente utile per creare delle basi ritmiche su cui suonare successivamente. In molti casi è possibile anche effettuare delle sovra-incisioni, che vanno ad arricchire ulteriormente il pattern.

In realtà esistono moltissime tipologie di Loop Station, dalle più semplici appena descritte a quelle con moltissime funzioni, per cui non è possibile descriverne il funzionamento in queste pagine, vi rimandiamo ai siti dei produttori e/o ai relativi manuali.

:: COME SCEGLIERLA ::

Probabilmente le cose più importanti da valutare sono gli utilizzi che se ne vogliono fare ed il prezzo.  Dal canto loro, le loop station variano in base a tanti fattori, come: capacità di memoria, qualità del segnale, effetti integrati, ecc. La memoria è correlata alla possibilità di creare pattern più lunghi in termini di tempo. Per l’uso casalingo, comunque, la loop station migliore è quella semplice da utilizzare. Effetti aggiuntivi potrebbero interessare maggiormente chi deve suonare live, dove le richieste in termini di possibilità, sono maggiori.

Questo articolo non è certamente esaustivo, ma spero possa essere stato utile quantomeno a tracciare una linea chiara per chi voglia avvicinarsi al mondo delle loop station.

Un caro saluto.

Vu

Sempre alla ricerca del suono “perfetto” siamo disposti talvolta a sostituire la nostra chitarra, l’amplificatore, i pickup, giostrarci nelle regolazioni dell’equalizzatore (talvolta a pedale, più spesso quello dell’ampli stesso), provare mille tipi di effetti, di corde, di … qualsiasi cosa. Ciò che spesso tralasciamo e che invece ha un impatto grandissimo sul suono, è il plettro. Perché non partire da lì, dunque ?

Nota: le righe che seguono sono senza dubbio più utili a coloro che fanno della chitarra elettrica un uso clean o tutt’al più un leggero crunch. Le considerazioni esposte scemano con l’aumentare del gain e a distorsioni molto elevate valgono poco.

Un test che chiunque può fare

Anzitutto, la posizione in cui plettriamo, l’angolo con cui colpiamo le corde, la forza applicata, l’elasticità del polso e molto altro sono tutte variabili che influiscono notevolmente sul suono. Non ci credete ? Provate a spostarvi nell’asse ponte-manico e scoprirete una grande quantità di sfumature sonore; “provare per credere”, come recitava una vecchissima pubblicità.

In secondo luogo, il tipo di plettro modifica SOSTANZIALMENTE il suono: spessore, durezza, materiali. Come se questo non bastasse, uno spessore diverso e/o un diverso materiale, senza che ce ne accorgiamo, ci fa anche suonare diversamente.

Un mare di possibilità

Oggigiorno ci sono una quantità tale di possibilità nella scelta del plettro, da perdere la testa. Materiali, forme, durezze, spessori.. handmade, boutique, industriali.. ergonomici, piatti, bi-materiale, ecc.. insomma, una vera giungla. Se penso che ho quando ho iniziato io si trovavano in commercio sostanzialmente solo i Fender Medium da 1 mm. per le elettriche e i Dunlop di 3 durezze diverse per le acustiche .. Il grande mercato odierno ci dà moltissime possibilità, ma anche tanta indecisione.

Ciò che ho notato io, che poi è un po’ la scoperta dell’acqua calda, è che a plettro più morbido corrisponda un suono maggiormente “acustico” (cosa molto apprezzata da chi suona semiacustiche o hollow body magari in ambito blues o jazzistico), ma a parità di durezza, anche il materiale di cui il plettro è fatto ha un impatto notevole sul suono finale.

Il suono generato dal plettro

Meglio fare subito chiarezza: per “suono” in questo articolo io intendo in particolare :

• equalizzazione (quindi presenza o taglio di frequenze),
• dinamica (ossia la capacità del plettro di rispondere alle variazioni di forza esercitate),
• attacco (la velocità con cui la nota nasce e si sviluppa).

Il primo parametro (EQ) è facilmente comprensibile. La cosa che ho notato è che più o meno lo scenario è questo; un plettro può, soprattutto nel momento dell’attacco, ma non solo:

• tagliare le alte frequenze (non mi pare possa esaltarle, semmai lasciarle integre)
• modificare le medie (ingolfandole o scolpendole)
• modificare le basse (ingolfandole o scolpendole)

Il secondo parametro (DINAMICA) per me è fondamentale. Personalmente preferisco di gran lunga intervenire in post produzione per quanto riguarda la compressione. Preferisco suonare con quanto più possibile “spazio dinamico” per enfatizzare accenti e anche una certa “vocalità” di suono. Naturalmente non tutti la pensano come me e sono parecchi che utilizzano ad esempio compressori a pedali o a rack  per intervenire ponendo un limite alla dinamica generata dalla chitarra. Per tutti questi, probabilmente un plettro meno dinamico è preferibile.

Il terzo e ultimo parametro (ATTACCO) potrebbe essere collegato al genere musicale che si predilige suonare, ma non è detto. Normalmente comunque, generi jazzosy e/o blues old style richiedono mediamente attacchi più morbidi e lunghi, mentre generi più rock o metal oriented, attacchi rapidi e potenti.

Un trucchetto furbo: Un noto imprenditore musicale italiano, nonché grande musicista, mi ha insegnato che più il plettro ha i bordi taglienti (spigolosi), maggiore è la velocità dell’attacco della nota e viceversa. Per cui basta dare qualche limatina con una lima da unghie ai bordi del nostro plettro per togliere il “filo di taglio” per sentire la nota allungarsi. L’ho sperimentato io stesso e funziona davvero!

Riferimenti personali

Mi sarebbe piaciuto farvi un lungo elenco di produttori e di modelli con dei riferimenti al suono che generano e magari perfino con immagini e samples audio, ma il tempo è tiranno e poi, sarebbero comunque opinioni personali dettate dalle mie impressioni, dai miei gusti e infine, dalla mia strumentazione. Non posso escludere che ci possano essere risultati diversi in strumentazioni e perfino in mani diverse. Per cui mi limito ad incoraggiarvi a testare vari plettri per capire quale si avvicina di più al vostro gusto e alle vostre necessità, certo che vi sorprenderete di quanto intervenga sul suono.

Vi lascio un link ad un paio di discussioni sul forum: QUESTA più specificamente inerente l’argomento in oggetto mentre QUESTA più generica inerente opinioni riguardo a vari plettri, alla comodità e al suono degli stessi.

Conclusioni

Scegliere tra comodità e suono è davvero difficile perché tendiamo ad utilizzare il plettro che ci fa stare meglio, più comodi, quello che ci sembra che ci permetta maggiore controllo e/o velocità.

Personalmente, suonando esclusivamente in cameretta, ho deciso di cambiare plettro in base al brano, in modo che enfatizzi questo o quell’altro suono senza dover modificare niente nell’ampli o negli effetti (talvolta mi aiuto con i potenziometri del volume e del toni della chitarra). Ecco perché ne lascio sempre uno per tipo a portata di mano. Ammetto che creino un po’ di confusione sulla scrivania, ma sono così belli e colorati che alla fine, è un disordine piacevole all’occhio.

Non vi resta che provare quanti più plettri potete. In alcuni casi, provare un nuovo plettro non sarà un problema visti i costi generalmente bassi di questi, ma in altri casi ci si svena letteralmente e un plettro particolare può costare diverse decine di euro. In quel caso, levarsi la curiosità non è semplice .. Ma il consiglio resta valido: provate, provate, provate. Scolpite il vostro suono attraverso la scelta dei materiali e degli spessori del vostro plettro (o forse sarebbe meglio dire, da ora in poi, dei vostri plettri).

Ragazzi, ho scoperto l’acqua calda, ma per me è una cosa grandiosa!

Parto dall’inizio … stamattina avevo un po’ di tempo e mi sono messo a giocare con il mio ampli, il routing, ecc.. ed è salta fuori una cosa importante : una loop station, collegata a dovere, può fare da attenuatore e permetterti di alzare fino al massimo il tuo ampli (io l’ho fatto con il mio Twin 100w) e portarlo a volumi da cameretta, ma con un suono STREPITOSO, da grande palco. Vi spiego come ho fatto io..

Il ROUTING

Come già detto, io ho un Twin Amp (notoriamente troppo potente per un appartamento e perfino per un palco piccolo o un club) che eroga fino a 100w di potenza. A questo collego, nel classico ingresso IN, una mini pedaliera composta da 4 overdrive per tutti i gusti, diciamo (Dumbal Drive, Ckk Gambler, Boss SD-1, Griffindor (clone Zendrive modificato). Nel loop effetti invece (send/return) collego gli effetti di modulazione : un pitch fork, un delay, un riverbero ed infine, una loop station.

Sia il volume del canale clean che quello degli altri due canali (malgrado io sia fortunato perché vivo isolato), lo tengo normalmente a 3 (se fossi in appartamento, forse lo terrei a 2).

Mi sono accorto che il volume di uscita della Loop Station era piuttosto alto (circa ore 14) e abbassandolo, si abbassa NON solo il suono degli effetti, ma il volume generale. Nel mio caso, l’ampli ha anche uno switch nel retro per selezionare il guadagno del collegamento send/return e io l’ho settato al massimo : +2dbV.

Non so perché, ma se lo abbasso subentra del fruscio di fondo.

Ora, abbassando il volume della loop station ad ore 9, ho potuto alzare il volume dei canali del Twin, al massimo! Non vi dico la meraviglia di suono che esce: saturissimo e sporchissimo anche dal canale clean, a volumi bassissimi. Bellissimo! Non vi dico il canale 3, che è già in saturazione di suo; ci si fa del metal senza problemi. Certo, non è il suono che cerco io per cui mi sono messo a provare e ho trovato “la pace dei sensi” con, rispettivamente: l’amplificatore a volume 5 (che non distorce, ma satura e crea quella meravigliosa pasta tipica dei valvoloni belli caldi) e la loop station a ore 11:00 circa.

RISULTATO

Volume da appartamento, ma suono caldissimo e saturo. Un sogno.

Questo è un ampli che è bello di suo, ma sentirlo a volumi discreti, devo dire che è ancora più bello e davvero appagante.

CONSIGLIO FINALE

Se avete un ampli valvolare che abbia il loop effetti e suonate in cameretta, fate una prova collegando un effetto di modulazione con il controllo del volume e tenete basso il volume di quest’ultimo mentre alzate il volume dell’ampli. Una goduria! Il pedale perfetto per questo secondo me è proprio una loop station evoluta (io ho una JamMan Stereo) perché rimane sempre collegata ma non attiva. Se ad esempio collegate un chorus, tocca attivare il pedale per avere una riduzione del volume, mentre con un pedale come questo, si è sempre “sotto controllo del volume di output”.

Ovviamente, l’alternativa è dotarsi di un attenuatore vero e proprio..

Spero di essere stato chiaro. In caso contrario, chiedete pure senza problemi. Vi lascio il link al forum: CLICCA.

Diciamo che ci sono alcune linee guida che possono aiutarci nella scelta e che, rispondendo ad alcune semplici domande possiamo “mettere a fuoco” quale sia il prodotto che più si avvicini a ciò che stiamo cercando o di cui abbiamo necessità. Ovviamente, solo voi potrete rispondere a queste domande e non abbiamo certo la pretesa di indicarvi una “via” da seguire, in quanto la scelta è del tutto personale.

7) Quanto spazio ho in pedalboard ?
Questa è la domanda che mi porrei come ultima in quanto, sono convinto che se un pedale mi piace, lo spazio lo trovo sempre. Certo però può essere un dato interessante.

Queste sono un po’ le domande che mi farei per orientarmi meglio nella scelta di un overdrive. Se siete come chi scrive, purtroppo un solo overdrive non vi basterà e troverete sempre infinite ragioni per rispondere tutto ed il contrario di tutto ad ogni domanda.

Vi lascio il link al FORUM dove dire la vostra.

Vu

Ecco dei miei consigli, su cosa non bisognerebbe fare durante l’esercitazione sia teorica che pratica:

Suonare con il dolore. Le “classiche” tendiniti sono molto lunghe da curare . Evitare inutili irrigidimenti del corpo può aiutare all’insorgenza di questi problemi. Gli irrigidimenti bloccano il progresso e causano disturbi più seri. Consultare un medico o uno specialista, in caso di disturbi.

Metronomo durante la memorizzazione. Anche se rimane uno strumento necessario nell’apprendimento, bisogna utilizzarlo al momento giusto. La memorizzazione di un’esercizio non deve essere disturbata dal bit del metronomo. La nostra mente deve essere concentrata unicamente sull’immagazzinamento delle informazioni che contano in quel momento (diteggiature, posizioni, punti critici,…).

Ambiente di studio chiassoso. Ci si sconcentra inutilmente ed influisce non poco sulla comprensione (in special modo su temi difficili).

Distrazione dalla TV o dalla musica scoltata. Questi evitano di potersi concentrare fino in fondo e non ci si rende conto del rendimento che è calato.

Telefonino. Assolutamente spento! L’interruzione imprevista di una telefonata o di un messaggio, distoglie l’attenzione e preclude il processo progressivo necessario, per arrivare all’obiettivo.

Stanchezza e nervosismo. Ognuno di noi deve trovare il miglior sistema per ridurre la stanchezza e di conseguenza potersi calmare. Riposo, esercizi mentali, sono solo alcuni consigli che portano ad un benefico relax. La mancanza di motivazione può essere riconducibile ai fattori di stress dovuti alla stanchezza o al nervosismo, i quali potrebbero anche portare alla tensione fisica o alla diminuzione dell’apprendimento.

Intestardirsi su quello che ci fà più piacere o ci ossessiona . Molti musicisti ci sono passati e se non si risolve in fretta, può ridurre il miglioramento in generale.

Lasciar perdere l’esercizio quotidiano a favore del recupero. Suonare regolarmente ed esercitarsi in egual modo è importante per l’apprendimento. La costanza giornaliera migliora l’abilità. Meglio esercitarsi tutti i giorni, anche per poco tempo, piuttosto che recuperare il tempo perso ogni tanto.

Non utilizzare gli strumenti di analisi dei progressi. Registrarsi ed utilizzare il metronomo, sono strumenti molto importanti per misurare la nostra crescita d’apprendimento. Studiare senza un costante accrescimento può risultare frustrante.

Non annotare i problemi o quello che si è fatto. Non saremmo capaci di ricordarci dove siamo arrivati con l’apprendimento. Mancheranno i punti fondamentali dove dovremmo lavorare la prossima volta.

Vi lascio il link al forum per poter dire la vostra : CLICCA

4Roses

In questo articolo ci concentreremo sul “posizionamento corretto” parte di questa equazione e affronteremo alcune tecniche di ripresa microfonica da poter utilizzare per ottenere un grande sound.

Distanza e Profondità
Forse l’ elemento più importante di una buona tecnica microfonica è trovare la distanza ottimale tra microfono e sorgente sonora . Il tuo “muro di suono” crollerà rapidamente senza una chiara comprensione del fenomeno secondo cui la distanza tra amplificazione e microfono, ha un profondo effetto sul risultato finale in termini di resa delle basse frequenze, “chiarezza” e “profondità” del segnale.

Shure SM57

I microfoni con diagramma polare cardioide direzionali mostrano un marcato aumento della risposta dei bassi più sono vicini alla sorgente sonora . Il termine tecnico per questo fenomeno è “effetto di prossimità” , e tutti i microfoni direzionali sono soggetti a questo, in misura diversa tra loro. Un buon esempio è lo Shure SM57 , probabilmente il microfono cardioide più utilizzato per cogliere i suoni provenienti da amplificatori per chitarra. Normalmente vedrete questo microfono piazzato estremamente vicino alla griglia dell’amplificatore proprio per massimizzare l’ effetto di prossimità. Questa tecnica funziona bene con l’ SM57 perché completa la risposta in frequenza naturale dell’ SM57 , che presenta una forte taglio sui bassi al di sotto di 150 Hz e un forte aumento di medie e alte frequenze superiori a 3000Hz. La curva di frequenza naturale dello Shure SM57 , con l’aggiunta di basse frequenze date appunto dall’effetto di prossimità , si traduce in un suono di chitarra chiaro e corposo.

Microfoni con risposta in frequenza piatta e bassi più profondi , come ad esempio il Sennheiser MD421 , oppure il Royer R121, spesso hanno bisogno di essere posizionati più lontano dalla cassa per evitare quell’effetto “fangoso” nelle basse frequenze ( una sorta di confusione ed impastamento ) ed anche la distorsione che può derivare da un eccesso di prossimità. Ad esempio, noi quando registriamo, in genere posizioniamo il nostro microfono Royer ( utilizzando la configurazione a figura-8 ) tra i 15 e i 20 centimetri dal cono del nostro Fender Deluxe . Oltre ad ottenere un tono generale più equilibrato, spostando il microfono più indietro dall’amplificatore, otteniamo anche un senso di “spazio” dove il suono può maggiormente “respirare” e di interagire con l’ambiente nel quale è posizionato, prima di raggiungere il diaframma del microfono , rendendo il suono più vivace ed organico, più vicino a quello che sentono le nostre orecchie all’interno di una stanza, infatti queste sono distanti dalla fonte che genera il suono.

In asse o fuori asse ?


photo from recordingbible.com

Il modo più comune di utilizzare un microfono per cogliere il suono di un amplificatore per chitarra è di puntare semplicemente il diaframma del microfono in modo perpendicolare verso il centro del cono dell’altoparlante. Spesso questa semplice tecnica può funzionare splendidamente con il giusto microfono e amplificatore, ma può anche generare una sorta di “asprezza” sulle alte frequenze e dare al suono un senso di ingolfamento. Una possibile soluzione a questo problema è proprio qualla di spostare il mic “fuori asse”.

Fuori asse significa che il microfono non è rivolto con il diaframma puntato in perpendicolare direttamente al centro del cono, ma leggermente inclinato. Microfoni direzionali risponderanno in modo diverso in questa condizione, spesso ottenendo un taglio di alte frequenze che può essere molto utile per ammorbidire la risposta degli acuti per un tono generale più caldo . La leggera inclinazione può esaltare anche l’effetto ambiente sopra descritto e può fare miracoli per ravvivare un suono “smunto” .

Una ulteriore variante di posizionamento la otteniamo mantenendo il diaframma del microfono in asse ( cioè perpendicolare al cono ), ma spostandolo appena fuori dal bordo del cono dell’altoparlante. Il risultato finale è simile a un microfono posizionato fuori asse, in quanto attenuerà molto l’eccesso di alte frequenze. Questa tecnica è ad esempio eccezionale quando si vuole “arrotondare” un tono distorto troppo aggressivo e tagliente.

Tecniche multi-microfono

Image from uaudio.com

Se avete il tempo e le risorse , con due (o più ! ) microfoni posizionati su un singolo amplificatore, si possono ottenere davvero maggiore profondità, larghezza e dettagli, cosa impossibile con un solo microfono. L’idea con il multi-microfonamento ( o multi-microfonazione?!) è che mentre un microfono deve catturare il suono diretto dal cono, un secondo catturi il suono dell’ambiente, rimanendo più indietro rispetto al primo e cogliendo il senso di “spazio ambiente”. I due segnali possono essere poi posizionati e miscelati in vari modi nel panorama stereo ( left and right ) in fase di mix per un suono di chitarra molto realistico che imita il modo in cui le vostre orecchie avvertono il suono dell’amplificatore nella stanza .

Noi siamo costantemente impegnati per ottenere suoni sempre più realistici di chitarra che possiamo , nel tentativo di migliorare sempre le qualità delle nostre demo di prodotti. Con questo in mente abbiamo generalmente posto il Royer R121 a circa 15-20 centimetri di distanza dal nostro amplificatore Fender Deluxe come suono principale, ed uno Shure KSM27 diversi metri indietro, di solito in linea proprio dietro il Royer. In genere poi usiamo miscelare in mix il Royer leggermente fuori centro, e il segnale proveniente dallo Shure anch’esso “panpottato” a sinistra o a destra .

Un’altra tecnica multi- microfono utile è quello di posizionare il secondo microfono sul retro della cassa, direttamente in linea con il microfono nella parte anteriore, e poi invertire la fase su uno dei. Il microfono sul retro del diffusore registrerà solo la fascia bassa delle frequenze, a causa della qualità omnidirezionale di queste frequenze. Questa tecnica è perfetta, ad esempio, per aggiungere corpo ad piccolo ampli combo durante una sessione di registrazione.

Quando si utilizza una configurazione multi – microfono è molto importante essere consapevoli dei possibili problemi di cancellazione di fase tra i microfoni. Questo fenomeno si può verificare quando più microfoni registrano la stessa sorgente sonora da luoghi diversi. I sintomi a cui prestare attenzione sono: suoni vuoti o con l’aggiunta di un effetto tipo Phaser, oppure l’assottigliarsi del corpo generale del suono, quando i due segnali microfonici sono combinati nel mix. Se si sospetta una cancellazione di fase, è sufficiente spostare il microfono più distante leggermente e ricontrollare il risultato. Spesso spostare il microfono a pochi centimetri da una parte o dall’altra risolverà la cosa. Si potrebbe anche provare a invertire la fase di un microfono direttamente nel canale del mixer o nel canale del software di registrazione audio .

Concludendo

Speriamo che questo articolo sia stato illuminante per quanto riguarda alcune prtatiche inerenti questo fondamentale, ma spesso trascurato elemento finale nella catena del segnale della vostra chitarra. Abbiamo esposto solo alcuni dei molti modi possibili per microfonare un amplificatore, quindi vi incoraggiamo ad esplorare ulteriormente l’argomento. Come per ogni altra cosa, la padronanza di queste tecniche richiede pratica ed esperienza, che potete fare con i vostri microfoni, amplificatori, e altro materiale. Sperimentate utilizzando il vostro orecchio e gusto per posizionare il microfono in modo da conseguire i risultati desiderati .

QUI il link per partecipare alla discussione.

ATTENZIONE, L’ARTICOLO TRATTATO NON E’ FARINA DEL NOSTRO SACCO, MA SOLO UNA TRADUZIONE DI UN ARTICOLO CHE HO TROVATO INTERESSANTE, PUBBLICATO DA PGS. QUI TROVATE L’ARTICOLO ORIGINALE.

Componenti:

Veroboard:

PRIMA PUNTATA: TAGLIO…E CUCITO

Ciao, ben ritrovati.. Avete avuto il tempo necessario per acquistare i componenti elettronici elencati nella lista spesa :

…che ne dite di iniziare con qualche cosa “di pratico”? Si? Ooookey, direi di passare subito all’azione predisponendo la veroboard: per questo progetto sono richieste 15 colonne (fori) e 12 righe (piste)..
Non avendo trovato una veroboard delle dimensioni adatte ne ho acquistato una “grande” ed è stato necessario, di conseguenza, ritagliarne una porzione per il nostro progetto.
Se volete qualche chiarimento sulla tecnica di taglio e sulle precauzioni da adottare, andate a dare uno sguardo al topic sulle pcb fatte in casa e precisamente QUI.
Se siete stati bravi, dovreste ritrovarvi un rettangolo di vero come questo qua:

Ora diamo uno sguardo al layout: avrete notato che oltre ai simboli convenzionali dei componenti sono presenti dei quadrati rossi con un punto in mezzo e delle linee blu.

I quadrati rossi sono delle interruzioni nelle piste mentre le linee blu sono dei ponti che le collegano tra loro.

Prima di iniziare a modificare in modo definitivo la veroboard, ricordatevi che il LAYOUT è stato rappresentato con una vista dall’alto e come se la basetta fosse trasparente…in realtà non dobbiamo saldare i componenti dal lato rame, ma dalla parte opposta.
A meno che non intendiate lavorare “al contrario” quando finalmente popoleremo la basetta con i componenti, girate la veroboard in modo “speculare” e, layout alla mano, usate un pennarello indelebile per segnare i punti dove dovremo operare le interruzioni.

Le piste possono essere interrotte in vari modi: fresa con punta conica, cutter, martello e scalpello io ho
optato per una punta di trapano abbastanza grossa, 8 mm per la precisione..hem..senza il trapano!!!
Per via della facilità con la quale si ottiene il risultato, la consiglio anche a voi.
Impugnate la punta di trapano come se fosse una penna e un cacciavite (o come vi viene meglio) e poggiatela, applicando una pressione decisa, in corrispondenza delle giuste coordinate (ricorda battaglia navale, vero??).
Operate con la punta eseguendo delle rotazioni in senso orario (credo che lo sappiate, se la punta del trapano gira in senso antiorario…non taglia).
Verificate dopo qualche giro lo stato del vostro lavoro, se la punta è nuova ed affilata basteranno poche rotazioni per otterrete un lavoro pulito.
Se come me userete una punta vecchia e consumata, faticherete di più e le parolacce non si conteranno. Se siete stati attenti e avete desistito dal lanciare veroboard e punta di trapano nel cassonetto della raccolta indifferenziata dovreste ritrovarvi con una situazione simile a questa:

Verificate controluce, poggiando la vero sul vetro della finestra o davanti ad una lampada (accesa), la corretta esecuzione delle interruzioni..occhio ad eventuali microscopici ponti di rame..

Se siete forniti di tester o provacircuiti, eseguite una prova di continuità nelle piste…saremo cosi sicuri di
aver raggiunto il nostro obbiettivo…..
Per ora mi fermo qui..non buttiamo troppa carne sul fuoco.
Alla prossima…e scusate i soliti errori…

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Marcello per Jamble

Se qualche volta vi siete domandati se esiste un preciso ordine di montaggio dei componenti su un circuito stampato…la risposta è “SI”!!
Di norma si saldano i componenti più piccoli e bassi poi, via via in ordine di altezza e dimensione, si finisce con quelli più grossi ed ingombranti.
Assumendo questa norma a regola salderemo nell’ordine jumper, resistenze e diodi, socket per l’integrato, transistor e per ultimi i condensatori, quelli ceramici prima, quelli a film/polyestere/mylar/elettrolitici poi.
La ragione di questa sequenza, che non è ferrea perché, per esempio, ci sono condensatori ceramici più piccoli di una resistenza, si spiega con la praticità: se popolate il circuito iniziando dai componenti “più ingombranti”, risulterà più difficoltoso lavorare negli spazi tra un componente e l’altro..
La realizzazione di un circuito su veroboard non si discosta da questa semplice regola di “buon senso”.
Se il vostro intento è quello di intraprendere la “carriera” del diyer, abituatevi a lavorare secondo questo modus operandi anche per i circuiti più semplici.
Fatto vostro il procedimento, eviterete di trovarvi in difficoltà quando vi “metterete alla prova” su qualche circuito particolarmente complicato.
Dopo questa doverosa premessa e dopo aver fatto le interruzioni nelle piste, passiamo alla realizzazione dei ponticelli (jumpers).
Dando per scontato che si possono usare i classici fili elettrici che trovate in vendita nei negozi di elettronica o nei soliti SITI, cerchiamo qualche alternativa da vero diyer…
Io ho riciclato un vecchio cavo di rete per pc.
Al suo interno i trefoli sono di rame pieno ofc (rame privo di ossigeno con impurità ammessa dello 0,0001%).

In alternativa, anzi, diciamo che tra i diyers è la norma, si possono utilizzare gli avanzi di reoforo dei componenti utilizzati in qualche progetto precedente.

Ok è arrivato finalmente il momento di accendere i saldatori..contenti, si?
Se non avete mai saldato e questo è il vostro primo effetto diy, vi consiglio di documentarvi un po.
Googlando ho trovato questa GUIDA molto carina..dateci uno sguardo.
Di seguito potete ammirare una sequenza delle varie fasi di “montaggio”…le immagini si commentano da sole!

Primo “inserimento”: i jumpers

Le resistenze

Un solo diodo in questo progetto…

Socket prima e condensatori dopo:
i più attenti l’avranno notato…per sbaglio ho montato il socket al contrario:
La tacca visibile in basso, nel socket, serve da promemoria per l’orientamento corretto dell’ic che ne ha uno uguale…
Questo “segno” di riferimento altre volte è rappresentato con un “pallocchio”.

Infine montiamo l’ic….

e i fili elettrici…

curiosi di vedere il lato saldature?

Ok, per ora e tutto miei cari.
Nella prossima “puntata” wiring.
Buon DIY!
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Marcello per Jamble

Passiamo al wiring.
Fare i collegamenti partendo da un layout per veroboard è più facile di come sembra.
Per un ottimo wiring prendete il layout di SABRO TONE, aggiungete un pizzico di Wiring n° 5 di Tonepad ….agitate vigorosamente eeeeet…voilà

Ci avete creduto? Scherzavo…
Ma che ci crediate o no per portare a casa il risultato….basta seguire le indicazioni!!

Sulla parte sinistra e sulla destra nel layout, i più attenti l’avranno notato, ci sono delle scritte che ci spiegano dove vanno collegati i fili e a quale funzione assolvono…

Con Paint (niente battute prego) ho ridisegnato lo schema adattandolo al nostro Jamblender.

Nel dettaglio:

– 9v+ va allo specifico pin del DC jack.

– Ground è la massa e va collegata sia allo shield dei vari jack (ingresso, uscita, send, return) , sia allo specifico pin del DC jack.

– Phase sw (switch) 1 e 2, indicano i pin dello switch on/off a levetta che gestisce il segnale in fase e controfase.

– Mix 1,2,3 corrispondono ai pin del potenziometro che useremo per miscelare il segnale.

Per non incrociare i collegamenti ho disegnato il potenziometro come se l’alberino fosse rivolto in basso.
I numeri corrispondenti ai pin appaiono dunque invertiti rispetto a quelli della foto in alto.

– In genere le masse, per evitare fastidiosi e rumorosi ground loop, confluiscono tutte in un solo punto denominato star ground.
Sul Jamblender lo star ground è lo shield del jack di ingresso.

– Send e Return vanno direttamente ai tip dei relativi jack,
– In e out (out, è indicato nel layout, corrisponde a mix 2) , seguendo il wiring 5…vanno al 3PDT.

Bene..ho assegnato ad ogni voce il relativo collegamento….dunque dovrei aver finito.
Ho deciso di non inserire, per semplicità, lo snap per la batteria..se doveste averne necessità, dovreste sostituire il jack di ingresso mono con uno stereo e seguire le indicazioni del wiring 5 tonepad.
Scusate se sono andato in velocità per questo passaggio sul wiring… Spero di non aver dato troppe cose per scontate… Se avete dubbi naturalmente..chiedete, sono qui per questo!

La prossima puntata vedremo il wiring realizzato e faremo i primi test..
ciao e buon diy…sempre!

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Marcello per Jamble

Ho testato la funzionalità del potenziometro MIX.

Ruotando il pot in senso antiorario fino a finecorsa, ottengo il segnale dry…
Switchando da stand-by a segnale ON non ho percepito nessun abbassamento di livello..
Con il pot ruotato a finecorsa, in senso orario, ottengo il segnale completamente effettato.
Con il pot centrato indovinate? Un mix tra dry e segnale effettato (50%).
Utilissima la levetta per il controllo di fase.
Avevo già realizzato un blender chiamato buff’n’blend ma quando il segnale effettato risultava in controfase
rispetto al segnale entrante, il livello della somma dei due segnali era considerevolmente più basso rispetto al
livello del segnale dry. Grazie al controllo di fase questo problema è facilmente risolvibile: se con la levetta in posizione “fase” noterete che il segnale dry+modulato è troppo basso, basterà passare a “controfase” per avere un immediato beneficio.
Per ora ho deciso di non realizzare alcun sample, intorno alla mia pedaliera ci sono troppi disturbi e il Jamblender, fuori dalla sua casetta..ronza.

Prime impressioni:
Le mie modulazioni principali, CE2 ed Electric Mistress, non sono proprio “trasparenti”.
Chi ha avuto il Mistress, in particolare, sa che è un tonesucker ed attivando l’effetto si percepisce un considerevole calo di segnale. Il Jamblender rende questo tipo di modulazioni finalmente utilizzabili in quanto è possibile compensare la perdita con il segnale dry… Ma il suo uso non si limita alle modulazioni, potrei anche usarlo con il muff o un overdrive…oppure in modo creativo con qualsiasi effetto io voglia…

Qualche considerazione sul wiring:
Se possibile utilizzate cavi di colore diverso, vi aiuterà a fare meno errori ed eventualmente, sarà più facile fare debug se qualcosa non funziona a dovere. Come potete notare dalla foto i cavi del mio wiring sono molto lunghi cosi, una volta prese le misure degli ingombri interni, accorcierò i cavetti a misura..

Ricordate di conservare i pezzi di scarto: nel diy tutto ritorna utile e gli spezzoni potranno essere riutilizzati in un altro progetto… Per ora é tutto.

Ci rileggiamo nel prossimo aggiornamento dove parleremo di studio degli spazi interni e foratura del box… A presto!

LINK AL FORUM dove scaricare l’allegato in PDF n.4 !!

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Marcello per Jamble